Der Aufstieg der KI-Künstler: Kann Code echte Kunst erschaffen?

In einem Studio in Tokio justiert ein Künstler sorgfältig Parameter in einem neuronalen Netzwerk. Auf der anderen Seite der Welt in Berlin zahlt ein Sammler sechsstellige Beträge für ein Porträt, das von einem Algorithmus generiert wurde. In New York wiederum zeigt eine Galerie Werke, bei denen Menschen und Maschinen zusammengearbeitet haben, um Bilder zu schaffen, die sich zuvor niemand vorstellen konnte.

Willkommen im Zeitalter der KI-Kunst – in dem die kreative Landschaft durch Technologie, die Bilder, Musik und Texte mit bemerkenswerter Raffinesse generieren kann, dramatisch umgestaltet wird. Aber da diese KI-Systeme immer beeindruckendere Werke hervorbringen, zwingen sie uns, uns mit grundlegenden Fragen nach Kreativität, Urheberschaft und dem Wesen der Kunst selbst auseinanderzusetzen.

Die Entwicklung der KI im kreativen Bereich

Die Beziehung zwischen Technologie und Kunst ist keineswegs neu. Künstler haben sich schon immer neuer Werkzeuge bedient – von der Camera Obscura bis zur digitalen Software –, um ihre kreativen Möglichkeiten zu erweitern. Dennoch ist etwas an den heutigen KI-Systemen einzigartig disruptiv. Im Gegensatz zu traditionellen Werkzeugen, die eine direkte menschliche Manipulation erfordern, können moderne generative Modelle mit erheblicher Autonomie arbeiten und nach dem Training mit riesigen Sammlungen menschlicher Kunst Originalwerke erstellen.

Die Fähigkeiten dieser Systeme haben sich dramatisch entwickelt. Frühe KI-Kunstexperimente in den 1960er und 70er Jahren produzierten relativ einfache Computergrafiken. In den 2010er Jahren entwickelten Forscher neuronale Netze, die künstlerische Stile zwischen Bildern übertragen konnten. Der eigentliche Durchbruch gelang jedoch mit dem Aufkommen von generativen adversarialen Netzwerken (GANs) und in jüngerer Zeit Diffusionsmodellen, die bemerkenswert realistische und kreative Bilder aus Texteingaben erzeugen können.

Die Mechanik hinter der Magie

Die heutigen KI-Kunstsysteme arbeiten in erster Linie durch statistische Mustererkennung und nicht durch regelbasierte Programmierung. Ein Modell wie Midjourney oder DALL-E lernt Muster aus Millionen von Bildern und deren Beschreibungen. Wenn es eine Eingabe erhält, kopiert es nicht einfach vorhandene Werke, sondern synthetisiert etwas Neues auf der Grundlage seines Verständnisses von visuellen Konzepten und Beziehungen.

Wenn es beispielsweise aufgefordert wird, „ein surrealistisches Gemälde einer Katze zu erstellen, die mit dem Mond Schach spielt“, sucht die KI nicht nach einem solchen Bild – sie konstruiert eines, indem sie ihre gelernten Darstellungen von Katzen, Schach, dem Mond und surrealistischen künstlerischen Konventionen kombiniert.

Dieser Prozess wirft tiefgreifende Fragen auf: Wenn eine KI Tausende von Van-Gogh-Gemälden analysiert und ein neues Werk in seinem Stil produziert, das Experten nicht von einem Original unterscheiden können, hat sie dann wirklich Kunst „geschaffen“? Oder ist es nur eine ausgeklügelte Form der Aneignung?

Bemerkenswerte Meilensteine in der KI-Kunst

Mehrere Wendepunkte haben die KI-Kunst ins allgemeine Bewusstsein gerückt:

• Im Jahr 2018 wurde das Porträt „Edmond de Belamy“, das vom französischen Kollektiv Obvious mit GAN-Technologie geschaffen wurde, im Auktionshaus Christie's für 432.500 US-Dollar verkauft – was den Einstieg der KI-Kunst in den Kunstmarkt auf dramatische Weise ankündigte.

• Im Jahr 2022 gewann Jason Allens „Théâtre D'opéra Spatial“, das mit Midjourney erstellt wurde, den ersten Preis in der digitalen Kategorie beim Kunstwettbewerb der Colorado State Fair, was heftige Debatten über den Platz der KI in traditionellen Kunstwettbewerben auslöste.

• Im selben Jahr schuf der Künstler Refik Anadol „Unsupervised“, eine Installation für maschinelles Lernen, die im MoMA ausgestellt wurde und die Sammlungsdaten des Museums in fließende, traumartige Visualisierungen verwandelte.

• Im Jahr 2023 erlangte die KI-Künstlerin Sofia Crespo mit ihrer Serie „Neural Zoo“ internationale Anerkennung für die Verwendung neuronaler Netze, um sich neue biologische Formen vorzustellen, die von der natürlichen Evolution inspiriert, aber vollständig synthetisch sind.

Das menschliche Element: Prompting als neue Kunstform

Ungeachtet der technologischen Raffinesse von KI-Systemen bleibt das menschliche Element von entscheidender Bedeutung. Die Fähigkeit des „Prompting“ – die Erstellung präziser Anweisungen, die die KI zu den gewünschten Ergebnissen führen – hat sich selbst zu einer Kunstform entwickelt. Meister-Prompter entwickeln spezielle Techniken, um diesen Systemen bestimmte Stile, Kompositionen und emotionale Qualitäten zu entlocken.

Die Künstlerin Holly Herndon beschreibt die Arbeit mit KI als „eine Zusammenarbeit mit einer anderen Art von Intelligenz“. Ihr Projekt „Holly+“ beinhaltet das Trainieren einer KI auf ihren Gesangsstil, was es ihr ermöglicht, Musik zu kreieren, die über ihre physischen Fähigkeiten hinausgeht, während sie ihre künstlerische Identität bewahrt.

In ähnlicher Weise schufen der Filmemacher Oscar Sharp und der KI-Forscher Ross Goodwin „Sunspring“, den ersten Film, der vollständig von einer KI (namens Benjamin) geschrieben wurde. Während das Drehbuch surreale Dialoge und bizarre Regieanweisungen enthielt, interpretierten die menschlichen Regisseure und Schauspieler diese Anweisungen und fügten durch ihre kreativen Entscheidungen Bedeutungsebenen hinzu.

Die wirtschaftliche und ethische Landschaft

Das Aufkommen der KI-Kunst hat traditionelle kreative Wirtschaften durcheinandergebracht. Einige kommerzielle Künstler befürchten, ersetzt zu werden, da Unternehmen zunehmend auf KI für Illustrationen und Designarbeiten zurückgreifen. Getty Images berichtete, dass KI-generierte Inhalte inzwischen etwa 12 % aller Bildersuchen auf ihrer Plattform ausmachen – eine Statistik, die sowohl die Marktnachfrage demonstriert als auch Bedenken hinsichtlich der Abwertung menschlicher Kreativität aufwirft.

Die ethischen Fragen sind ebenso komplex. Viele KI-Modelle wurden mit riesigen Datensätzen bestehender Kunstwerke trainiert, ohne die ausdrückliche Genehmigung der ursprünglichen Künstler. Dies hat zu Rechtsstreitigkeiten und Forderungen nach Entschädigungssystemen geführt, die Einnahmen mit den Urhebern teilen würden, deren Werke diese Modelle beeinflusst haben.

Der chinesische Künstler Xu Bing bietet durch sein Projekt „Book from the Ground“, das Symbole verwendet, die in allen Kulturen universell verstanden werden, eine zum Nachdenken anregende Perspektive. Er deutet an, dass KI-Kunst eine ähnliche Universalsprache darstellen könnte – eine Sprache, die den menschlichen kulturellen Ausdruck synthetisiert und gleichzeitig individuelle Stile transzendiert.

Kunst als Prozess vs. Produkt

Die vielleicht tiefgreifendste Veränderung im Denken über KI-Kunst ergibt sich aus der Überlegung, was wir an Kreativität schätzen. Die traditionelle westliche Kunstgeschichte hat oft das fertige Artefakt und das singuläre Genie dahinter priorisiert. Aber viele andere Traditionen, insbesondere in Asien, haben den kreativen Prozess selbst, das Ritual des Machens und den gemeinschaftlichen Kontext betont.

Das japanische ästhetische Prinzip des „Wabi-Sabi“, das Schönheit in Unvollkommenheit und Vergänglichkeit findet, bietet eine interessante Linse. KI-Kunst enthält oft subtile Verzerrungen oder „Halluzinationen“ – Artefakte ihres Rechenprozesses, die ihre nicht-menschliche Natur offenbaren. Anstatt diese als Fehler zu betrachten, heben einige Künstler diese Eigenschaften bewusst als einzigartige ästhetische Merkmale des Mediums hervor.

Jenseits der Nachahmung: Die Suche nach der nativen Ästhetik der KI

Die überzeugendste KI-Kunst ist vielleicht nicht die, die die menschliche Kreativität am besten nachahmt, sondern die, die etwas einzigartig Rechnerisches ausdrückt. Der Künstler Mario Klingemann, bekannt für seine Arbeit mit neuronalen Netzen, schlägt vor, dass „der interessante Weg darin besteht, herauszufinden, was die Vision der Maschine ist, und nicht, sie wie ein Mensch sehen zu lassen“.

Sein Werk „Memories of Passersby I“ generiert einen endlosen Strom von Porträts, die sich nie wiederholen – Gesichter, die nie existiert haben und nie wieder existieren werden. Diese Erforschung der Maschinenwahrnehmung schafft etwas, das sich grundlegend von der traditionellen Porträtmalerei unterscheidet.

In ähnlicher Weise versucht Sofia Crespos „Neural Zoo“ nicht, bestehende Tiere nachzubilden, sondern stellt sich stattdessen neue Lebensformen vor, die auf dem Verständnis der KI für biologische Muster basieren – und schafft so das, was sie „spekulative Natur“ nennt.

Die Demokratisierung der Schöpfung

Ein unbestreitbarer Einfluss von KI-Kunstwerkzeugen ist ihre demokratisierende Wirkung. Software wie DALL-E, Midjourney und Stable Diffusion hat kreative Fähigkeiten an Menschen unabhängig von traditioneller künstlerischer Ausbildung verliehen. Schätzungsweise 20 Millionen Menschen nutzen diese Werkzeuge inzwischen monatlich und erstellen Milliarden von Bildern.

Diese Zugänglichkeit hat Gemeinschaften hervorgebracht, in denen Menschen Techniken austauschen, an Projekten zusammenarbeiten und neue künstlerische Ansätze entwickeln. Für Menschen mit körperlichen Behinderungen, die die traditionelle Kunstproduktion einschränken, haben diese Werkzeuge völlig neue Wege für den kreativen Ausdruck eröffnet.

Doch diese Demokratisierung wirft auch Fragen nach Können, Handwerk und dem Wert technischer Meisterschaft auf. Wenn jeder mit einer Texteingabe ein Porträt im Stil der Renaissance erstellen kann, schmälert das dann die Leistung von Malern, die Jahrzehnte damit verbringen, ihre Technik zu perfektionieren?

Jenseits der visuellen Kunst: Die kreative Grenze der KI

Während die visuelle KI die meiste Aufmerksamkeit erhalten hat, gehen die kreativen Anwendungen noch viel weiter. OpenAIs Jukebox kann Musik im Stil bestimmter Künstler generieren. KI-Systeme schreiben Gedichte, Drehbücher und helfen sogar bei der Choreografie von Tanzaufführungen.

Der am Georgia Tech entwickelte Shimon-Roboter spielt nicht nur Musik, sondern improvisiert auch mit menschlichen Musikern und reagiert in Echtzeit mit seinen eigenen musikalischen Ideen auf deren Spiel. Dies weist auf eine Zukunft hin, in der KI über die Generierung statischer Kunstwerke hinausgeht und an dynamischen kreativen Prozessen teilnimmt.

Philosophische Fragen im Kern

Im Mittelpunkt der KI-Kunstdebatte stehen grundlegende philosophische Fragen über die Kunst selbst:

• Wenn Kunst durch Absicht definiert ist, kann eine KI ohne Bewusstsein „echte“ Kunst schaffen?
• Wenn Kreativität die Rekombination bestehender Ideen auf neuartige Weise ist, ist es dann nicht genau das, was diese Systeme tun?
• Wenn die emotionale Wirkung auf den Betrachter das ist, was zählt, ändert dann der Ursprung des Werks seine künstlerische Gültigkeit?

Der Philosoph Arthur Danto argumentierte, dass Kunst weitgehend durch ihre Theorie und ihren Kontext definiert wird – die „Kunstwelt“, die sie umgibt und interpretiert. Nach dieser Definition sind KI-generierte Werke, die in Galerien ausgestellt und von Kritikern diskutiert werden, zweifellos „echte Kunst“, unabhängig von ihrem Ursprung.

Mit Blick auf die Zukunft: Koevolution

Anstatt KI entweder als Bedrohung für die menschliche Kreativität oder nur als neues Werkzeug zu betrachten, ist die Perspektive der Koevolution vielleicht die produktivste. Im Laufe der Geschichte haben neue Technologien verändert, wie wir schaffen und was wir schaffen. Die Kamera hat die Malerei nicht ersetzt – sie hat die Malerei befreit, Abstraktion und Ausdruck jenseits realistischer Darstellung zu erforschen.

In ähnlicher Weise kann KI menschliche Künstler befreien, neue kreative Gebiete zu erkunden und gleichzeitig ihre eigenen einzigartigen Beiträge zu unserer Kulturlandschaft zu entwickeln. Die aufregendsten Möglichkeiten ergeben sich möglicherweise nicht daraus, dass KI die menschliche Kreativität ersetzt, sondern aus den neuartigen Formen der Zusammenarbeit zwischen menschlicher und maschineller Intelligenz.

Wie der Künstler Refik Anadol sagt: „Die Frage ist nicht, ob Maschinen kreativ sein können – sie sind es bereits. Die Frage ist, wie ihre Kreativität unsere eigene ergänzen und herausfordern wird.“

In diesem fortlaufenden Dialog zwischen menschlicher und künstlicher Kreativität können wir neue Dimensionen der Kunst entdecken, die keine von beiden allein hätte erreichen können – und dabei tiefere Einblicke sowohl in das Wesen der Kreativität als auch in unsere eigene Menschlichkeit gewinnen.